Sandra Oliva

Michael Kutsche / Berlín, 1977

2010-07-24T21:26:00.017-05:00

El universo de Michael Kutsche germinó mucho antes de la nueva concepción de Alicia en el País de las Maravillas de Tim Burton. Autodidacta, con una amplia y exitosa carrera como artista conceptual, ilustrador y diseñador de personajes, el alemán ya contaba con un nombre en la industria de la publicidad y los videojuegos antes de ser reclutado por Sony Pictures Imageworks. De hecho, su portafolio ya incluía importantes clientes como SEGA, BMW y Universal Music.

Hoy, después de “Alicia”, el artista intenta buscar entre decenas de compromisos y proyectos un espacio primordial para desplegar su obra personal.

Con la reputación de ser uno de los mejores artistas digitales de Europa, Kutsche dejó Berlín, una de las capitales culturales y creativas con mayor crecimiento en los últimos años, para iniciar su propio viaje “al interior del agujero del conejo” y participar en los últimos 3 meses de rodaje de Alicia en el País de las Maravillas en Los Ángeles, California.

Fue a comienzos de 2008 que el artista se involucró en el proyecto, luego que los productores de Imageworks descubrieran su talento exhibido en su heterogéneo portafolio de CGSociety.org. “En un principio no me dijeron que era una película de Tim Burton, pero de todas maneras yo estaba muy interesado. Me pidieron que dibujara una oruga, rememorando la estética del Laberinto del Fauno. Estuve todo un día y una noche trabajando exclusivamente en esa imagen. Lo envié y recibí un correo diciendo que Ken Ralston, Supervisor de Efectos Visuales para Sony Pictures Imageworks – y uno de los artistas visuales tras la trilogía original de Star Wars-, estaba muy entusiasmado con mi trabajo. Cuando me dijeron que era un proyecto de Tim Burton, no podía creerlo”, relata Kutsche.

Con la confianza de los productores, el artista volcó toda su creatividad en bocetos cercanos al estilo de Burton, pero dejando su sello característico de realismo y misterio. “Quise hacer algo que podría estar en su territorio –el de Burton- pero no quería imitar su estilo y funcionó bien. Tim no perdía el tiempo. Cuando yo hacía algo, él me daba sus comentarios en vez de pedir nuevas versiones, lo cual es muy bueno. En esta industria las personas muchas veces no saben lo que quieren. Burton, en cambio, lo sabía perfectamente”.

De esta forma, Kutsche se sumergió en el mundo fantástico de la novela de Lewis Carroll para ilustrar a sus personajes más extravagantes: El Sombrerero Loco; Iracebeth (la Reina Roja); Ilosovic Stayne (la Sota de Corazones); Tmctwisp (el Conejo Blanco); Absolem (la Oruga); el Gato de Cheshire; Mallymkun (el Lirón); la Liebre de Marzo; El pájaro Dodo (desarrollado en colaboración con el diseñador canadiense Bobby Chiu), los Caballeros Blancos y Rojos; el Verdugo y Jabberwocky.

Su irrupción en el mundo del entretenimiento no fue un hecho aislado. De hecho, cuando aún no terminaba de dar forma a los protagonistas encargados por Ken Ralston, las ofertas comenzaron a llegar: “Mi oficina era un remolque detrás del set. Un día Ken tocó mi puerta junto a un tipo, que resultó ser Andrew Stanton, nada más que el director de Buscando a Nemo y WALL-E. Revisó mis dibujos y un par de horas después tenía mi próximo proyecto: Thor (que se estrena en Mayo de 2011). Todo iba muy rápido, estuve un par de semanas en Alemania, y después de vuelta en Los Ángeles. Ahora recibo tantos requerimientos que no puedo hacerlos todos”.

Además del trabajo “comercial” que realiza, Michael Kutsche también conduce una prometedora carrera personal en la que vuelca todo el imaginario que, gestado en la tierra de poetas y pensadores, acumula años de surrealismo y ciencia ficción. Desde niño, su curiosidad evidente fomentó las visitas al supermercado donde, en puntillas y alzando la mirada hasta lo más alto de las estanterías, lograba vislumbrar un atisbo de aquellas atractivas y “prohibidas” portadas de revistas de Heavy Metal.

“Obviamente no eran para niños, así que llegaba a casa dibujar de memoria lo que había visto. Creo que esos simples vistazos tuvieron un gran impacto en mí. Eso y los juguetes de StarWars”, explica Kutsche, quien revela también la influencia del surrealista Lucian Freud y del historietista Jean Giraud, diseñador de películas como Alien y El Quinto Elemento. Es quizás por ese extenso rango de intereses que, este artista conceptual, destaca la variedad y riqueza en su trabajo.
Sus últimas obras responden a esa ficción realista en la que los personajes exhiben un aura misteriosa, fascinante e incluso grotesca. The Boxer, aunque de 2008, refleja esa visión: un hombre con orejas de cerdo que alimenta el interés del artista por explorar posibilidades que, al menos visualmente, resultan creíbles.

La motivación proviene de una inquietud profunda por empujar los límites que le impone el medio: “Como ilustrador la labor es a veces muy literal, no deja suficiente espacio para la imaginación, ya que tiene un objetivo práctico: son un mapa de ruta para un modelo 3D. El diseño de personajes es más racional, (…) después de descubrir el diseño el proceso que sigue muy técnico. Mi trabajo personal, en cambio, está constantemente rompiendo estas reglas, intentando contar una historia particular”.

Como el Sombrerero de “Alicia”, Michael Kutsche no teme viajar hacia universos fantásticos y cohabitar con personajes psicodélicos. Quizás su vida y su obra está perfectamente descrita por el propio personaje de la novela, interpretado por Johnny Depp en la versión de Burton: “Hay un lugar como ningún otro en la Tierra, una Tierra llena de maravillas, misterio y peligro; algunos dicen que para sobrevivir en él hay que estar tan loco como un sombrerero”.

Sandra Oliva Lodos
Periodista
Joia Magazine número 14

Tara McPherson / San Francisco - California, 1976

2010-06-11T17:12:00.003-05:00

Tara McPherson es puro Rock and Roll. Desde la articulación de los hombros y hasta los tobillos la recorren un sinfín de diseños, flores y brazaletes, que comenzaron en Hollywood Boulevard a mediados de los 90s cuando con su mejor amiga decidieron celebrar los 18 años con sus primeros tatuajes. Hoy, con 34, sostiene una consolidada carrera como artista e ilustradora de cómic, mientras sus pósters de conciertos anuncian presentaciones de reconocidas bandas como Depeche Mode, Duran Duran, Kraftwerk y The Strokes.

Originaria de San Francisco, pero con toda una vida en Los Ángeles y un corto paso por Portland, hoy vive y trabaja en Nueva York. Proyectos para Fanta y Nike, junto a las decenas de fans que orgullosos se tatúan algunos de sus numerosos personajes, demuestran la amplia audiencia que a alcanzado Tara, llegando a lugares que nunca imaginó.

Juno fue estrenada 8 de septiembre de 2007 en el Festival de Cine de Toronto. Posteriormente sería nominada a cuatro premios Óscar, entre ellos Mejor Película, aunque cinco meses después sólo ganaría en la categoría de Mejor Guión Original. Tara McPherson conoció a su director, el canadiense Jason Reitman en julio de 2009, durante la convención Comic-Con en San Diego. Raitman conocía bien el trabajo de la californiana. De hecho, había sido él quien decidió dos años atrás incluir dos serigrafías de McPherson en la habitación de su protagonista: Look Out Mr. Wiggles! y Unicorn Girl; una combinación que la artista considera “perfecta” y que de paso llevó su trabajo a la pantalla grande.

Sin corazón

En Look Out Mr. Wiggles!, McPherson sitúa a Orion en el centro de la lámina, un personaje

femenino con un agujero en forma de corazón en el pecho, que nació después de su paso por la universidad –a partir de un doloroso quiebre sentimental– y con el cual engloba las temáticas más recurrentes de su trabajo: el amor, las relaciones y la soledad.

Sin embargo, y aún con los corazones como elemento habitual, las composiciones están lejos de ser tiernas. Elementos inquietantes romperán con la inocencia de la escena, generando una tensión que muchos han catalogado como ““sweetly creepy” (dulcemente espeluznante).

Para lograr cada una de estas atmósferas, Tara se sumerge en un proceso creativo que se inicia con palabras, no imágenes. En efecto, la artista conecta frases, ideas y apuntes que de a poco darán forma a la estructura de la obra mucho antes del primer trazo. El título, inclusive, precede a una imagen cuyo universo visual está sutilmente marcado por la influencia de Mark Ryden y Glenn Barr.

Pero su obra no sólo contiene referencias del creador de la portada del álbum Dangerous de Michael Jackson y del ilustrador del video clip I Miss You de Björk. El cielo estrellado, los

planetas y el espacio exterior, junto a cascos de astronautas y aliens, narran una parte de su historia y revelan su interés por la astronomía que durante sus años de estudiante en Santa Monica Community College la inclinaron a dedicarse a la astrofísica. El resto ya es historia.

Se graduó el 2001 del Art Center College of Design en Pasadena, ciudad donde acumuló un gran repertorio de tatuajes, y posteriormente en Glendale –a sólo 15 kilómetros– participó de una exitosa práctica en Rough Draft Studios, donde montan Futurama. Desde esos años el jazz, el bluegrass y hasta el metal han acompañado su promisoria carrera.

Gig Posters

La veta musical de McPherson es evidente. Desde los 15 años toca bajo –mucho antes ya coleccionaba discos y pósters– y fue a partir de New Detectives, su primera banda, que descubrió el póster como un camino válido de expresión artística: expresión que al final le otorgaría un reconocimiento mayor que la pintura.

Comenzó creando los flyers de su propio grupo, pero fue sólo cuando éstas ilustraciones comenzaron a captar la atención de un público atento que Tara asumió su real potencial. De hecho, consideró durante algún tiempo aquella actividad como “secundaria” dentro de sus planes para convertirse en artista profesional y no la estableció como prioridad hasta que comenzó a exhibirlos en Gigposters.com. El abundante feedback fue una consecuencia inesperada que la motivó definitivamente.

Para Knitting Factory realizó algunos diseños, muchos de los cuales ella misma se encargó de vender a 5 o 10 dólares a la salida de los conciertos. Algunos meses más tarde, una vez que empezó a entregar pedidos para House of Blues o Goldenvoice –compañías que aún organizan eventos musicales por toda la Costa Oeste de Estados Unidos–, aquella actividad se convirtió en un trabajo a tiempo completo.

Beck, Green Day, Depeche Mode, Duran Duran, Kraftwerk y The Strokes son sólo algunas de las bandas más reconocidas que se han visto anunciadas a través del universo de McPherson. En él, se manifiesta una variada fusión de influencias que van desde el arte renacentista hasta el cómic japonés, y que la propia artista lo define como “pop surrealista”.

En un escenario más lúdico y reciente, McPherson diseña portadas de cómics para Vertigo, el sello editorial de la compañía DC Comics, y que sin censura abarca temáticas más controvertidas que las de nuestros héroes de siempre. Sólo por nombrar algunas están The Witching, The Sandman Presents: Thessaly y Lucifer #45. Asimismo, desde el 2005 sus personajes regalones han tomado la forma de juguetes. Ace, Ion, Lucius, Mr. Wiggle Balloons, Zombirella, Bimbopper y George componen hoy una disfuncional familia de mutantes de vinilo.

Sandra Oliva Lodos
Periodista
Joia Magazine número 13

Ruben Brulat / Francia, 1988

2010-05-08T12:33:00.001-05:00

En el municipio 11e de París, entre el Cimetière du Père-Lachaise y la Place de la Bastille, vive Ruben Brulat. Pese que hace sólo unos pocos años tomó por primera vez una cámara de fotos, hoy no teme confesar la magnitud de su anhelo: retratar “la humanidad”. En lugares deshabitados, rodeados de grandeza natural o arquitectónica, registra su propio cuerpo desnudo para revelar la fragilidad del hombre.

“Desde el segundo que capturé la primera fotografía, la pasión llegó. Desde ese momento nunca paré y he continuado tratando de comprender por qué y cómo estoy haciendo imágenes. Así, poco a poco ha crecido mi necesidad de usar la fotografía como una simple herramienta para hablar acerca de mis convicciones”, nos comentará Brulat. “Yo no estoy aquí por la fotografía, capturar imágenes es sólo una manera que encontré para expresar lo que creo”.

Con 31 hectáreas, más de tres millones de metros cuadrados en oficinas y una población flotante de 150 mil trabajadores, La Défense en París es uno de los distritos de negocios más importantes del mundo. Albergando unas 1.500 empresas, desde 1973 ha vivido numerosas crisis que han accidentado su crecimiento, tal como Sanhattan –en la capital chilena– sufre hoy los vaivenes de la economía internacional.

Brulat, de 21 delgados años y cabello corto, imagina la escena con precisión. En aquel barrio parisino, ha encontrado la atmósfera ideal con la que podrá penetrar en aquel ambicioso concepto del que tanto habla: el ser humano. Es septiembre de 2009 y sólo 18 meses antes publicaría su primera fotografía en la cuenta gratuita de Flickr, sitio más refinado y glamuroso que el ya pretérito Fotolog, y único espacio en el que es posible recorrer su veloz progreso.

Fascinado por la grandeza y soledad de La Défense, Ruben Brulat prepara su Nikon D700. Un cortés Bonne Nuit desde la vereda de enfrente acelerará el proceso y terminará por precipitar la adrenalina del joven fotógrafo. Trípode, encuadre, enfoque y timer. Rápidamente jeans, camiseta e íntimos varios. Como de costumbre, Brulat realiza el cálculo exacto para la ecuación tiempo/distancia. Recorre, cual atleta, 5 metros planos y se acomoda en la escena de las 3 AM.

Su cuerpo desnudo impacta contra el concreto áspero y frío, esta vez incluso su rostro rasguña el pavimento. Será una imagen aceptada por las audiencias, una visión estética y poco explícita, un ser asexuado y natural que Brulat encarna al detalle.

En diciembre de ese mismo año, mientras las agencias de noticias informan sobre la peor ola de hielo y nieve de Europa en los últimos 30 años, en algún lugar de los Alpes, Brulat repetía la acción. Desnudo una vez más y desde la imponente cadena de montañas de Europa central, el francés representaba la insignificancia del hombre.

La euforia se desvanece. Frío y dolor son inhibidos en la vasta combinación de sensaciones. Suena el obturador y el tiempo se suspende.

Sandra Oliva Lodos

Periodista

Joia Magazine número 12

Brian M. Viveros / USA. 1975

2010-04-06T11:56:00.000-05:00

Brian Viveros describe su obra. Entre garabatos, pocas palabras y varios cigarrillos, la define fuerte y sensual. No tiene tiempo para una entrevista ni precisiones. Desde su paso en 1997 por la exhibición The Art of Porn en Suiza, su trabajo ha recorrido las galerías de Estados Unidos y Europa; hoy, como una celebridad, prepara una nueva película y una muestra en Los Angeles.

Sus primeros dibujos fueron luchadores, inspirados en los físicoculturistas que frecuentaban el gimnasio de su padre, hombre fundamental en el desarrollo artístico y temático de Viveros, y quien en aquella época trabajaba como técnico quirúrgico para ganar dinero extra. Brian cada noche lo esperaba despierto para escuchar las sangrientas historias del hospital; sus juegos infantiles pronto dejarían la inocencia y pretendiendo coser carne humana hilvanaría naranjas y servilletas.

Hoy, inspirado en lo cotidiano, y aún preservando la influencia de los cómics de Tim Vigil, y los libros eróticos y de horror, Viveros emprende su proceso creativo con grafito. Luego aplicará capas de tonos suaves con un aerógrafo, y los matices oscuros a través de una “ebria combinación de óleos y acrílicos, una cajetilla de Marlboro Light y la música correcta”.

La sensualidad que describe Viveros viene de la imagen central de su trabajo: la mujer. Misteriosas féminas, con un cigarrillo en la comisura de sus labios, un gesto que Brian Viveros ya ha transformado en su marca personal.

Son personajes fuertes y desafiantes que rasgan en la lujuria: “el cuerpo femenino y sus ojos trastornados me entregan mucho, más que suficiente para trabajar y sostener mis perversos pensamientos, (...) son mujeres con poder que han sufrido mucho, pero que aún tienen tiempo para posar para mí”, sentenciará Viveros al respecto; rechazando con esta afirmación la estética pin-up de los 40’ que en ocasiones le han otorgado a su trabajo.

Con la música adecuada -que últimamente la restringe al grupo canadiense Godspeed You Black Emperor!- la locación oportuna y lejos de cualquier distracción, Viveros trabaja temáticas ocultas tras los labios rojos, los tatuajes, la sangre y los golpes. “Los conceptos con los que me gusta trabajar vienen de esta especie de ‘vibra’ militar en la que pienso mientras pinto. Reflexiono en cómo usar estos elementos que disfruto coleccionar e integrarlos como parte de mi ‘brazo armado’ (Arm-ME). Colecciono cascos, balas, cráneos humanos, películas surrealistas, armas… y amo a mi perro”, concluye Viveros con su habitual dispersión.

Sandra Oliva Lodos

Periodista

Joia Magazine número 11

Stelios Faitakis (Στέλιος Φαϊτάκης) / Atenas, Grecia. 1976

2010-03-03T12:56:00.000-05:00

El graffiti y el gesto evidente de un lenguaje arquetípico. Stelios Faitakis reúne en su trabajo referencias de la iconografía bizantina, la pintura popular de Creta y el muralismo mexicano, con retazos del arte asiático: un trabajo monumental, público y sobrecogedor.

El rescate de aureolas, criptas y universos dorados, junto a la carencia de perspectiva, conciben la base de tradición local en la que Faitakis construyó su propia estructura. Su obra, que suprime las temáticas y referencias cristianas que normalmente le confieren a su trabajo, reúne una elaborada técnica mixta recargada de óleos, acrílicos, látex, temple de huevo, pintura metálica y aerosol.

El artista nos revela su real motivación: “me interesa hablar sobre el ser humano y el universo que lo rodea, centrándome en el aspecto religioso y espiritual (...); hablar de la unidad de las cosas en el universo y de cómo bajo el evidente caos hay un plan y un orden. Todos los fenómenos, por muy pequeños que sean, tienen un valor espiritual y una razón de ser”.

Este deseo se expresa en el uso excesivo de patrones, elementos geométricos y una bizarra perspectiva. Sus personajes –arquetipos clásicos– son cronistas revolucionarios que el artista remueve del pasado para reinsertarlos como nuevos héroes en el paisaje urbano actual.

Faitakis aprecia la monumentalidad que representa una pared. El tamaño, el hecho de que el espectador esté de pie delante y en torno al proyecto. Trabajando a gran escala en telas, madera o papel, el artista se alejará siempre de la habitación blanca de una galería.

Con Atenas como un oasis y una escuela, Stelios Faitakis que comenzó obcecadamente -y como muchos grafiteros- usando solamente pintura en aerosol, hoy redunda en materiales que explota desde su paso por la Escuela de Bellas Artes de Salónica, la capital histórica de la provincia de Macedonia. “Durante años pinté con aerosol. Tengo varios años de gases dentro de los pulmones y que me afligen todavía. Hoy pinto con una técnica muy específica; y sólo utilizo spray en casos en que no puedo usar nada más para lograr el efecto deseado”, señaló el artista en el contexto de “Destroy Athens”, la Bienal de Atenas, en su versión 2007.

Faitakis, autodefinido como eterno estudiante y cronista urbano, ha abordado el mural como escenario vital para traer al contexto actual una estética dorada y pretérita. Una problemática que, según él mismo sentencia, lo desterrará de su propia temporalidad: “no estoy seguro de considerarme un artista ‘contemporáneo’, salvo obviamente del hecho que trabajo y vivo del arte hoy”.

Sandra Oliva Lodos

Periodista

Joia Magazine número 10

Josh Keyes / Tacoma Washington, EEUU. 1969

2010-02-02T07:00:00.000-05:00

Un universo aterrador: asistimos a la debacle de la civilización, distinguimos las ruinas, los vestigios tecnológicos de una sociedad autoexterminada y el acecho de animales, que -perdidos- intentan sobrevivir en un medio ambiente devastado.

La narración visual de Keyes es apocalíptica. Haciendo de cada pieza una escena constante y sistemática, consigue exponer cotidianamente lo que desde una realidad convencional nos resultaría ficticio. “Las imágenes para mí son como las palabras y el lenguaje, en este sentido, la pintura se convierte en poesía”, señala el autor.

Desde la confrontación acrílica de un mundo natural y artificial, el sustrato inconfundible de la narrativa hispanoamericana de la década de los 60’ parece viajar al encuentro de la cultura genética y tecnológica presentada por Keyes. Con la peculiaridad del realismo mágico, presenciamos un mundo aún irreal y una reflexión crítica de la participación sustantiva del hombre en la destrucción del planeta.

Desde su pequeño estudio, en Oakland, California; Keyes representa los paisajes que le acompañaron en su infancia y aquellos con los que convive diariamente.

Sentado frente a un atril, rodeado de colores y libros, recoge desde la estantería que se eleva a su izquierda los pequeños animales de juguete que le sirven de modelo y los que ha recolectado a través de los años. Ciervos, orcas, osos y conejos son los protagonistas de las temáticas que convergen en la minuciosa obra de Keyes: el calentamiento global, las emisiones de Co2, el derretimiento de los glaciares, la desertificación, la ingeniería genética y la inteligencia artificial.

Con una estética cercana a la ilustración cada pieza empujará la vista al centro del lienzo, otorgando un sólo foco de atención. Esta composición, en donde predomina el blanco permite acotar las interpretaciones y sustentar una temática integral en el resto de las imágenes. Así, cada obra se convierte en un capítulo del relato visionario de Keyes.

¿Sobreviviremos?, “por supuesto que sí -dice Keyes- ¿Nuestra calidad de vida será diferente? Defnitivamente. (...) Si no aprendemos de nuestros errores continuaremos extendiéndonos de planeta en planeta, de la misma manera que el moho se propaga de las manzanas a las naranjas en un bol de frutas, dejando una tierra infértil con la forma de nuestra sombra. Mi esperanza es que este no será nuestro camino”.

“Hombre o naturaleza, uno de ellos terminará dominando al otro al final”.

Sandra Oliva Lodos

Periodista 

Joia Magazine número 09

Ray Caesar / Londres, Inglaterra. 1958

2010-01-01T18:43:00.000-05:00

A primera vista niños y una visión perturbada de la sensualidad infantil. La estética de Caesar re-crea el alma humana a través de la representación inocente y reveladora de las risas, juegos y tristezas, que manifiestan aquella ambigüedad entre la adultez y la infancia. Explicará el artista en este sentido: “Estoy más interesado en los cambios y transiciones. La transición del nacimiento y el paso del niño al adulto. La transición de un joven a un viejo, el viaje por la muerte y la reencarnación”.

Su obra, trazada desde óleos, acrílicos, tintas y fotografías, no confesaron su labor sino hasta su reciente desarrollo en la ilustración digital; técnica derivada de sus años como estudiante en The Ontario College of Art & Design (OCAD), de donde se tituló en 1980, y de su vasta experiencia como artista 3Dy animador digital.

Antes de ello, transitó por diversos trabajos de diseño, muchos de los cuales no pudieron satisfacer mayormente su inquietud de artista. Construcciones sin ambición, artefactos médicos, oficinas, casinos de dudosa reputación, hasta que le sucedieron algunas labores más edificantes.

Un cambio importante en su vida ocurrió una noche en la que, según atestigua el propio artista, recibió la visita de su madre. Tal episodio no tendría nada en particular, de no ser porque su madre había muerto meses atrás. De cara a la pared y lentamente volteándose, Caesar vio el lado derecho del rostro del espíritu (¿o alucinación quizás?), ardiendo en luz, tratando de cubrir los haces con su mano para que no escaparan. Según el artista, esa no sería la primera experiencia cercana con el más allá, ni tampoco la última.

El reciente trabajo presentado por Ray Caesar, sigue la línea metafísica de sus anteriores publicaciones: modelos en tres dimensiones que constan de una estructura flexible y que, cubiertos cromática e iluminadamente se acercan a un universo real.

Pero más allá de las destrezas, la fuerza de sus personajes parece aludir su largo paso por el Hospital for Sick Children de Toronto, Canadá, donde trabajó en el Departamento de Educación Visual. Trabajo que define su actual sensibilidad y el cual abandonó luego del temblor que le generaban las imágenes forenses y de ilustrar diariamente una extensa bibliografía con registros de niños prematuros, abusos, cirugías, exámenes, etcétera.

Su estética, cercana el arte francés del siglo XVIII, caracteriza un trabajo exhuberante, colorido, de composiciones sensuales y relativo a lo mundano. En oportunidades siniestro, los modelos de Ray Caesar se fusionan con la esencia Pin-up de los 40’. Una visión aristócrata de la cultura pop.

Sandra Oliva Lodos
Periodista
Joia Magazine número 09